“El único origen de la belleza es esa herida, singular, diferente para cada uno, escondida o visible, que todo hombre oculta en su interior, que preserva y a la que vuelve cuando quiere abandonar este mundo y recluirse en una soledad temporal pero profunda”.
    -Jean Genet.

La realidad latinoamericana, compleja, con unos espacios urbanos enmarañados e idiosincrásicos, vive atravesada por poderes invisibles que condicionan su existencia configurando hábitats de profunda deshumanización que producen tramas alienantes. La pintura de Wilson Orellana (Cuenca, 1988) incide en esa realidad paradójica de forma existencial. Partiendo de la cotidianidad urbana, donde los protagonistas de sus cuadros parecen inmersos de forma inane en los lugares incómodos que habitan sus escenas, Orellana plantea una realidad a caballo entre un realismo existencial y un escenario donde la extrañeza emerge con naturalidad. Ese punto donde lo cotidiano se vuelve extraordinario, fue denominado por Freud como unheimlich y mal traducido al castellano como “lo siniestro”. En este caso y en honor al término original y ya que la pintura de Orellana no puede denominarse como siniestra, lo anormal representado a partir de cuerpos deformados, espacios que no responden a la rigidez de la representación tradicional del espacio pictórico, jerarquizaciones de tamaño y diversos recursos expresivos, surge para desvelar lo oculto. Y, ¿qué es lo oculto en su obra? Todo lo que sobreviene del poder alienante y desintegrador del ciudadano moderno latinoamericano, lo gris de la existencia en una sociedad apática.
El arte recupera como un acto de memoria aquello que fue excluido por la historia, lo feo o al menos, lo no tan bello, aquello que Adorno justificó como un acto de resistencia antifeudal, la admisión de lo feo. Y, ¿no es acaso la obra de Orellana una acusación metafórica del distanciamiento del ser humano del orden natural por motivos de las relaciones orquestadas por las diversas ejecuciones del poder? El poder de lo laboral, lo económico, el derecho a habitar el espacio público desde lo político, de reivindicar una existencia luminosa, son términos que subyacen entre las diversas capas de su pintura.
El ejército de personajes que habitan la pintura, como mundo particular y trasunto del absurdo del espacio contemporáneo, inciden en la incoherencia de la condición humana. Ese absurdo deviene en ocasiones en un humor irónico, inquisitivo y mordaz que ahonda, una vez más, en esa sensación de extrañeza inquietante que muestra lo oculto inmerso en lo cotidiano.
El lenguaje pictórico expresivo, que combina trazos apretados con una gestualidad violenta que reitera la crueldad inherente al gesto artístico que señalaba Nietzsche, nos arroja de forma casi violenta a ese mundo tan particular e incómodo. Esa periferia existencial, paradójicamente tiene como escenario los centros financieros de las ciudades latinoamericanas. Espacios grises donde lo precario convive con lo suntuoso, calles atestadas de cables donde unos personajes tienen mayor trascendencia que otros, hecho que se evidencia con los diversos tamaños de éstos.

    -Marcelino García Sedano.
      Historiador, curador y crítico de arte.